Heute möchte ich euch mal das 2004 erschienene Regiedebüt Garden State von und mit Zach Braff ans Herz legen.

Neben ihm sind im Cast weitere namhafte Darsteller wie Natalie Portman, Sir Ian Holm oder Peter Sarsgaard zu sehen.

Erzählt wird die Geschichte des lethargischen Schauspielers und Kellners Andrew Largeman. Diesem wird telefonisch von seinem entfremdeten Vater mitgeteilt, dass seine querschnittsgelähmte Mutter verstorben sei. Andrew macht sich daher auf die Reise, um bei der Beerdigung seiner Mutter anwesend sein zu können.

Dort trifft er mit Mark und Dave, die beide als Totengräber arbeiten, auf alte Bekannte, die ihn, wie sich später herausstellt, auf eine wilde Drogenparty einladen.

Am nächsten Tag fährt Andrew zu einem lokalen Krankenhaus, da er sich wegen seiner kürzlich auftretenden Kopfschmerzen untersuchen lassen möchte. Als er dort im Wartezimmer auf Sam trifft, beginnt sich auch dank einer weiteren Begegnung mit ihr eine warmherzig-humorvolle Chemie zu entfalten, die sich schon bald zu einer geborgenen Liebesgeschichte entwickelt. Ob genau dies die Medizin ist, die Andrew sehnlichst benötigt?

Garden State ist einer dieser Filme, der mich noch Tage nach der Sichtung wohlig beschäftigt. Die romantische Tragikomödie findet einen sehr feinfühligen Weg, um ihre teils liebenswürdig-bizarren Figuren ein-, aber auch fortzuführen. Mindestens genauso abgedreht sind so manche Situationen, die angenehm aus den üblichen Konventionen des Genres ausbrechen. Hierbei gelingt es dem Film ernste Themen nie ins Lächerliche zu ziehen und allen voran die Gefühle der Hauptfiguren ernst zu nehmen. Dennoch sorgt die immer wieder auftretende komödiantische Färbung, aber auch das Ende des Films dafür, dass nie der durchaus berechtigte Kummer des Hauptcharakters überhandnimmt, sondern vom anfänglich pessimistischen Grundton ausgehend die optimistischen Seiten und die zugestandene Einsicht zur Trauer immer stärker zum Vorschein treten. Dabei wird auch eindringlich aufgezeigt, dass manchmal all die angestaute Last der Vergangenheit in Zweisamkeit leichter überwunden werden kann. Dies verleiht dem Film zwischen seinem Humor eine ermutigende Reife, die er dank seiner beiden Hauptdarsteller Zach Braff und Natalie Portman auch zur glaubwürdigen Vollendung bringt.

Vor allem Natalie Portman kann hier mit ihrer charismatischen, aber auch herrlich-abgedrehten Figur punkten. Im Zusammenspiel mit Zach Braff gibt es so einige Szenen, die nicht nur von einer natürlichen Chemie, sondern auch vielen sehr humorvollen Momenten gefüllt sind.

Fazit: Garden State ist ein wunderschöner Film, der dank seiner großartig-bizarren Figuren, aber auch überzeugenden Mischung aus ernsten sowie unterhaltsamen Themen überzeugt. Schauspielerisch sind hierbei Zach Braff und Natalie Portman ein glaubwürdiges Gespann, das die Geschichte gefühl- und humorvoll begleitet.

Von mir gibt es hierfür 90 von 100 Umarmungen!

Hinweis: Der Film kann aktuell u.a. auf Blu-ray bestellt oder kostenpflichtig bei Prime Video gestreamt werden!

Dank Filmen wie dem Revival von Die Nackte Kanone oder der Schuh des Manitu-Fortsetzung Das Kanu des Manitu ist die Filmparodie wieder zu neuem Leben erwacht. So läuft seit dem 4. Juni 2026 auch Scary Movie 6 in den deutschen Kinos. Mit Marlon und Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall oder Cheri Oteri sind unter der Regie von Michael Tiddes auch zahlreiche Schauspieler des legendären Erstlings zurückgekehrt. Noch wichtiger erscheint aber die Tatsache, dass die Wayans-Brüder nach den ersten beiden Teilen wieder kreativ federführend beteiligt waren. Doch gelingt es Scary Movie 6, die lässige und grenzüberschreitende Respektlosigkeit des Originals einzufangen, oder ist die Parodie nur eine klamauklastige Leiche des heutigen Zeitgeists geworden?

Cindy, Brenda, Shorty und Ray sind zurück

Wie schon zuvor stehen nicht die Handlung, sondern ihre parodistischen Zutaten im Zentrum. Dennoch lässt sich folgende Prämisse ausmachen: 26 Jahre nach den Ereignissen des ersten Films geraten Cindy Campbell, Brenda Meeks, Shorty Meeks und Ray Wilkins erneut ins Visier eines maskierten Killers. Während die alten Bekannten widerwillig zusammenfinden und aus Sicht des Zuschauers auf neue Figuren treffen, müssen sie sich erneut einer Reihe völlig überdrehter Situationen stellen.

Scary Movie 6 nimmt dabei viele mediale, politische und natürlich filmische Themen ins Visier und schlachtet sie mit bewusst provokanten Mitteln parodistisch aus. So werden mehrmals oberflächlich abprallende Gags über die schwarze Hautfarbe und die tabulosen Grenzen des Sexualhumors ausgespielt. Ereignisse wie politische und gesellschaftliche Debatten rund um Trump, Musk und sogar Epstein aus den letzten Jahren bilden hierbei oft die Grundlage für schnelle Pointen, die natürlich allesamt keine tiefergehende Substanz aufweisen. Selbst die längst verjährte Corona-Pandemie findet in slapstickreich gefärbten und aus meiner Sicht besonders witzigen Szenen rund um Doofy ihre humoristische Wiederverwertung.

Diese Horror-Hits werden in Scary Movie 6 parodiert

Doch im Mittelpunkt stehen die vielen Parodien, die meist auf die Horrorhits der letzten Jahre abzielen. Als Grundgerüst für die Haupthandlung dienen diesmal das Requel Scream (2022), dessen Fortsetzung Scream VI, Wednesday, David Gordon Greens Halloween-Requel-Trilogie sowie Ma (2019). Durch die vielen weiteren Querverweise und Parodien verläuft sich die eigentliche Handlung aber in unzähligen komödiantischen Nebenschauplätzen aus Rückblenden und Nebensträngen. Der Film entwickelt sich durch diese dichte Aneinanderreihung aus losen, aber auch miteinander verknüpften Querverweisen noch stärker als seine Vorgänger zur kurzweiligen Nummernrevue.

So bekommen auch Final Destination 6: Bloodlines, Smile, Blood & Sinners, Weapons, Get Out, Terrifier 3 oder The Substance ihr Fett weg. Besonders unterhaltsam gerät darüber hinaus die Parodie auf Longlegs mit Hanson aus Scary Movie 2. Ein Nebenstrang, der noch im Abspann zur humoristischen Vollendung gebracht wird.

Da der überraschende Kontrast zu anderen Genres zudem bereits zuvor in der Reihe aufgegriffen wurde, werden auch diesmal Filme abseits des Horrorkosmos persifliert. Darunter der Megahype KPop Demon Hunters, aber auch White Chicks, oder Michael. Um hierbei aktuellere Filme zu berücksichtigen, wurden nach den regulären Dreharbeiten 2024 im April 2026 zusätzliche Szenen abgedreht. Laut einem Trailer war weiterhin auch Squid Game vorgesehen, das in der finalen Kinoversion allerdings offensichtlich der Schere zum Opfer fiel. Womöglich könnte es ein Wiedersehen davon in den Deleted Scenes der Extras oder gar in einem Extended-Cut mit noch mehr Parodien geben.

Gute Unterhaltung trotz ermüdender Running-Gags

Ebenso wird die eigene Reihe selbstironisch thematisiert. Die wiederholten Durchbrüche der Metaebene rund um die Produktion und die vergangenen Teile entwickeln sich jedoch ebenso wie die häufig wiederholten Witze über Hautfarbe und sexuelle Themen mit der Zeit zu durchschaubaren und ermüdenden Running-Gags. Die Anspielungen auf das Gendern oder auf Themen rund um die Transidentität zünden wiederum als oberflächlicher Humormechanismus, um auf die Debatten der aktuellen Zeit Bezug zu nehmen.

Aufgrund der schnellen Inszenierung mit zahlreichen, auch parallel abspielenden Gags und Verweisen, die meist unterhalb der Gürtellinie bleiben, reiht sich dieser Teil aus meiner Sicht qualitativ noch vor seinen drei Vorgängern ein. Die Kameraarbeit von Terry Stacey ist hierbei die eines Chamäleons, der sich stets dem Stil seiner jeweiligen Vorlage anpasst. Die Musik unterstützt wiederum sowohl die Atmosphäre, aber auch den bewussten Kontrast, um die jeweiligen Pointen zu verstärken. Schauspielerisch bieten alle Darsteller zweckmässige Leistungen ab, die bewusst nur so vor Klischees und Overacting strotzen, so dass die Glaubwürdigkeit zur zweitrangigen Nebensächlichkeit verkommt.

Mein Fazit zu Scary Movie 6

Scary Movie 6 kehrt mit diesem Teil zu seinen Wurzeln zurück. Diesmal allerdings mit noch mehr Tabubrüchen und Parodien als zuvor. Dies bedeutet allerdings auch, dass die Haupthandlung zugunsten einer umso abwechslungsreicheren Szenenrevue aus allerhand Anspielungen auf den zweiten Platz verwiesen wird. Am Ende heisst es deshalb einfach Hirn aus, Scary Movie an – womit das Ganze dann auch Spass machen kann.

Von mir hierfür 70 von 100 Messerstiche ins Zwerchfell!

Da es während des Abspanns noch Szenen gibt, lohnt es sich übrigens, sitzenzubleiben.

Dieser Artikel ist auch bei Whatthefilm erschienen!

Hier gelangt ihr zu einem der Trailer.

In diesem Jahr feiert der legendäre erste Teil der Scream-Reihe seinen 30. Geburtstag. Nachdem weiterhin vor wenigen Monaten der siebte Teil der Reihe in den Kinos gestartet ist und ab 4. Juni 2026 mit Scary Movie 6 diese und andere Horrorfilme wieder kräftig durch den Kakao gezogen werden, gibt es direkt mehrere Gründe, einen Blick auf den Anbeginn der Filme zu werfen. Unter der Regie von Wes Craven, der auch Hügel der blutigen Augen (1977) und das Nightmare-Franchise aus der Taufe hob, sind Neve Campbell, Courtney Cox, David Arquette, Skeet Ulrich, Matthew Lillard, Rose McGowan und Jamie Kennedy zu sehen. In einer unvergesslichen Nebenrolle fürs Opening ist zudem Drew Barrymore besetzt worden. Doch bietet der erste Scream-Film auch heute noch schaurig-schöne Unterhaltung oder ist er lediglich zum Schreien komisch?

Der Horror aus Woodsboro

Scream spielt in der scheinbar ruhigen Kleinstadt Woodsboro, in der eine Reihe brutaler Morde die Jugendlichen in Angst und Schrecken versetzt. Im Mittelpunkt steht die Schülerin Sidney Prescott, die ein Jahr nach einem persönlichen Schicksalsschlag zunehmend ins Visier eines maskierten Killers gerät. Der Täter kündigt seine Angriffe meist telefonisch an und scheint sich bestens mit Horrorfilmen auszukennen – ein Wissen, das er gezielt nutzt, um seine Opfer zu manipulieren. Während die Lage eskaliert, versuchen Sidneys Freundeskreis, ein überforderter Sheriff und eine ehrgeizige Reporterin, die Hintergründe der Mordserie zu durchdringen.

Mit jeder neuen Tat wächst das Misstrauen untereinander, denn der Killer könnte sich im engsten Umfeld der Jugendlichen verbergen. Gleichzeitig entwickelt sich ein gefährliches Spiel mit einem eigenen Regelwerk aus Erwartungen und tödlichem Ernst, bei dem niemand weiß, wer als Nächstes ins Visier gerät.

Wes Craven revolutioniert das Horrorgenre

Nachdem Wes Craven bereits mit Das letzte Haus links den Rape-and-Revenge-Film in den Mainstream holte und mit Nightmare on Elm Street den Slasherfilm nach John Carpenters Halloween auf ein surreales Level brachte, gelang ihm mit Scream eine weitere Revolution im Horrorgenre. Er schuf einen Slasherfilm, der sich seinen Genremechanismen vollends bewusst war und diese Konventionen nun spielerisch auslotete. Dies belebte den zwischenzeitlich eingefahrenen Slasherfilm wieder, nachdem zahllose Halloween-, Freitag der 13.- oder auch Nightmare on Elm Street-Fortsetzungen dem Genre seiner Originalität beraubten. Entweder nahmen sich diese Filme dabei so ernst, dass sie schon wieder unfreiwillig komisch erschienen, oder sie waren von so grotesker Überzeichnung geprägt, dass sie jegliche Atmosphäre übers Messer warfen.

Hierbei wurden Produktionen wie die Fortsetzungen der Leprechaun-Reihe und Hellraiser sowie die gesamten Puppet Master-Filme zum Stamminventar der Videotheken, da man ihnen dort einen größeren Erfolg zurechnete. Qualitativ herausragende Beispiele wie Das Schweigen der Lämmer oder Sieben wurden wiederum unter dem Deckmantel des Psychothrillers verortet, da man dem klassischen Slasher- oder Monsterfilm zu dieser Zeit einen billigen Ruf anhängte. Erst Craven schaffte es, dem Genre mit Scream seine einst lässige Coolness zurückzubringen.

Scream nutzt die Metaebene

Während der Film dabei oftmals mit der Metaebene und einem humoristisch-sarkastischen Tonfall spielt, gelingt es immer wieder, die spannungsreiche Atmosphäre und den reinen Horroranteil aufrechtzuerhalten. Bereits im wirkungsvollen Opener mit Drew Barrymore wird dies deutlich, wobei die humoristisch verspielte Note direkt zur unberechenbaren Stärke des Films wird. Dabei führt die Kenntnis der Figuren rund um ein bereits etabliertes Horrorfilm-Universum auch heute noch zu einer bedrohlichen Unmittelbarkeit, die das Grauen aus den Fesseln der filmischen Fiktion befreit. Allen voran die vielen Zitate oder Anspielungen auf bekannte Klassiker wie Halloween oder Basic Instinct werden in teils schnellen Dialogwechseln auf Wes Cravens Scream-Welt übertragen.

Das Erfolgstrio Campbell, Cox und Arquette

Neve Campbell gelingt es als emotionaler Bezugspunkt durchgehend mitzureißen. Während David Arquette als Polizist Dewey zur fast schon naiven Selbstparodie verkommt, zeigt sich Courtney Cox als Klatschreporterin Gale Weathers, ebenfalls von einer klischeereichen Seite. Skeet Ulrich und Matthew Lillard verkörpern wiederum mit ihren Figuren Billy Loomis und Stuart Macher die Bilderbuch-Psychopathen.

Der Erfolg von Scream und die Wiederbelebung des Genres waren dabei so groß, dass es schließlich nicht lange dauerte, bis Cravens bereits augenzwinkerndes Konzept parodistisch aufgegriffen oder adaptiert wurde. Während Scary Movie direkt einen eigenen Hype sowie eine gesamte Filmreihe begründete und Filme wie Anatomie 1 und 2 (2000, 2003) deutsche Variationen des Trends hervorbrachten, blieben andere Vertreter wie Shriek – Schrei, wenn du weisst, was ich letzten Freitag, den 13. getan habe (2000) oder Flashback – Mörderische Ferien (2000) hinter den Erwartungen zurück.

Die 4K-Version des Horrorklassikers

Wer den Horrorklassiker nun für zuhause in der bis heute bestmöglichen Variante besitzen möchte, sollte zur 4K-Version greifen, die 2022 erstmalig erschienen ist. Dabei sollte man jedoch keinen messerscharfen Transfer erwarten, da die analoge 35-mm Filmherkunft und gewisse stilmittelbedingte Entscheidungen dafür nicht ausgelegt worden sind. So setzt Craven bewusst auf weiche Lichter und eine natürliche Filmkornstruktur. Hinzu kommt immer wieder die sogenannte Fischaugen-Optik, die für einen leicht verzerrenden, jedoch räumlicheren Effekt im Geschehen sorgt. Tonal sorgen vor allem viele actionreiche Momente für Surround-Effekte, während der Soundtrack überwiegend dezenter abgemischt wurde. Die Extras bieten wiederum eher promolastige Eindrücke.

Mein Fazit zu Scream

Scream kann auch heutzutage noch dank seiner pointierten Dialoge im wahnwitzigen Kontrast zur gnadenlosen Slasherstory brillieren. Wes Craven hat sich damit wiederholt in die Annalen der Horrorfilmgeschichte eingeschrieben und für einen neuen Hype im Genre gesorgt. Schauspielerisch überzeugt Neve Campbell, die nach Der Hexenclub (1996) ihren zweiten Kinoerfolg verbuchen konnte. Der restliche Cast besticht wiederum spielfreudig im Rahmen der Inszenierung.

Dafür gibt es von mir 90 von 100 messerscharfe Klingen!

Über Wes Craven

Für den einflussreichen Regisseur Wes Craven war Scream ebenfalls nicht der erste Filmhit. Neben Ghostface schuf er bereits mit Freddy Krueger eine Genreikone, die mit der Nightmare-Reihe ebenfalls ein erfolgreiches Horror-Franchise hervorbrachte. Auch seine Horrorfilme Das letzte Haus links (1972), Hügel der blutigen Augen (1977), Shocker (1989) sowie der Thriller Red Eye (2005) haben sich mittlerweile zu Klassikern ihres jeweiligen Genres entwickelt.

Craven starb am 30. August 2015 im Alter von 76 Jahren an den Folgen eines Hirntumors. Sein Einfluss auf den Horrorfilm ist längst Teil der Filmgeschichte geworden und wird bis heute von Fans, Filmschaffenden und Cineasten gewürdigt. Zahlreiche Werke zitieren, adaptieren oder parodieren seine Ideen und Konzepte. Sein Einfluss lebt unter anderem in Filmen wie The Cabin in the Woods (2011), der Happy-Death-Day-Reihe (2017, 2019), den Fear-Street-Filmen (2021) und nicht zuletzt der bis heute fortgeführten Scream-Reihe weiter.

Diese Kritik ist in abgewandelter Form am 3. Juni 2026 zuerst bei Whatthefilm erschienen!

https://whatthefilm.ch/scream-1996-von-wes-craven-bei-anruf-ghostface-blu-ray-kritik/

Am Pfingstmontag habe ich die Tragikomödie Geheimkommando Familie aus dem Jahr 2022 in der ARD Mediathek nachgeholt.

Unter der Regie von Christina Adler ist darin der erst kürzlich verstorbene Alexander Held zu sehen. Weitere Rollen sind u.a. von Lisa Hagmeister, Xari Wimbauer, Amelie Gerdes, Ava Petsch, Nico Rogner und Halima Ilter übernommen worden.

In der TV-Produktion versucht ein pensionierter Marineoffizier am Bodensee, den Kontakt zu seinem entfremdeten Sohn wiederherzustellen und gerät dabei mitten in das turbulente Leben einer ungewöhnlichen Gastfamilie.

Der Fernsehfilm wird von der grandios mürrischen Darbietung von Alexander Held getragen. Doch seine Figur erhält im Laufe der Handlung auch dosierte, feinfühligere Facetten. Dem Film gelingt so ein mitreißendes Wechselbad der Gefühle, das Held von Trauer, Zorn bis zu neuer Lebensfreude abwechslungsreich präsentieren darf. Ebenso ist das weitere Ensemble um Lisa Hagmeister, Amelie Gerdes, Xari Wimbauer oder auch Ava Petsch ein belebender Zugewinn mit einer bewegungsreichen Dynamik für Helds Hauptfigur Klaus Gremme.

Fazit: Geheimkommando Familie ist somit ein unterhaltsamer Fernsehfilm geworden, der eine angenehme Balance zwischen Tragik und Komödie findet. Dank Alexander Held, aber auch dem weiteren Ensemble entsteht eine abwechslungsreiche, aber teils auch berührende Dynamik, der man bis zum Schluss gerne folgt.

Von mir dafür 80 von 100 Korvetten!

Hinweis: Bis 10. August 2026 in der ARD Mediathek abrufbar.

Seit 14. Mai ist der neue 90-Minüter von Merz gegen Merz unter dem Zusatztitel Geständnisse von Stammregisseur Felix Stienz im ZDF Streaming-Portal abrufbar. Neben der dreistaffeligen Serie (2019-2021) sowie den Filmen Hochzeiten (2023) und Geheimnisse (2024) ist auch hier wieder das merztypische Chaos vorprogrammiert.

Erik Merz soll nämlich zu seiner völligen Überraschung einen Ehrenpreis erhalten und nimmt kurzerhand seine Patchwork-Familie zur Gala mit, was er jedoch bald bereuen dürfte.

Doch ob man auch den neuen Merz gegen Merz Film bedauern muss oder Ralf Husmann in altgewohnter Stärke nachlegt, möchte ich euch gerne nachfolgend verraten.

Schon lange habe ich mich jedenfalls auf einen dritten Film gefreut, der nach dem letzten Teil 2024 etwas länger auf sich warten ließ. Auch hier geht es komödiantisch wieder herrlich-scharfsinnig zu und neben Annette Frier und Christoph Maria Herbst liefern sich auch Philip Noah Schwarz als Leon und Süheyla Ünlü als Soraya kurzweilige Dialoggefechte, die den Film zusätzlich beleben. Michael Wittenborn überzeugt wiederum erneut mit tragikomischer Verzweiflung, aber auch amüsanten One-Linern. Dennoch wird die Darstellung seiner Demenz nie Opfer einer humoristischen Abwertung.

Auch der restliche Cast, darunter Bernd Stegemann und Carmen-Maja Antoni, darf mit reichlich Spiellaune brillieren. Unterhaltsam ist allerdings auch Johanna Gastdorf, die mit ihrer abgeklärten Miene als Veranstaltungsplanerin Frau Krawczyk für weitere komödiantische Momente sorgt.

Fazit: Der neue Merz gegen Merz Film überzeugt so dank seines gut aufgelegten Casts und der spitzzüngigen Dialoge, die auch den neuen Film zu einem unterhaltsamen Zeitvertreib machen. Eine Sichtung im Streaming-Portal oder am 21. Mai im ZDF-Hauptprogramm kann ich euch somit nahelegen.

Von mir dafür 85 von 100 Ehrenpreise!

Nachtrag: Im ZDF Streaming-Portal gibt es neben Geständnisse außerdem den ebenfalls launigen Nachfolger Entscheidungen zu sehen, der erst am 20. August 2026 im Hauptprogramm ausgestrahlt wird!

Gestern strahlte das ZDF den Fernsehfilm Olivia erstmalig aus. Ein Biopic, das auf der Grundlage des Romans Ungeschminkt. Mein schrilles Doppelleben von Olivia Jones basiert.

Unter der Regie von Till Endemann wird darin erzählt, wie Oliver Knöbel zur Dragqueen Olivia Jones wurde. Besetzt wurde der Film dabei u.a. mit Johannes Hegemann, Annette Frier, Angelina Häntsch, Daniel Zillmann, Jeremy Mockridge und Martin Brambach.

Der Film taucht mit emotional intensiven Dialogen tief in die biografische Geschichte ein, um den Aufstieg von Olivia Jones glaubwürdig aufzuzeigen. Der Titel der zugrundeliegenden Biografie Ungeschminkt ist dabei durchgehendes Programm, denn es ist vor allem der ungeschönte, steinige Weg, der hier authentisch in den Fokus gerückt wird.

Während die Kindheit nur als kurzer Einstieg angerissen, aber von Arian Wegener umso eindringlicher dargestellt wird, liegt das Hauptaugenmerk auf Olivers Jugendjahre und der jungen Erwachsenenzeit. Johannes Hegemann verkörpert die Hauptrolle dabei charmant, natürlich und zutiefst berührend. Annette Frier überzeugt als Mutter Evelin, wiederum mit einer anfänglich wirkungsvoll biederen und von Fremdscham gezeichneten Darbietung, die die Zeichen der damaligen Zeit repräsentiert. Ebenso aber die spätere Erkenntnis, ihr Kind jenseits von äußeren Erwartungen zu akzeptieren. In ihrem Spiel scheint dabei oft die Angst ihr Kind in einer Opferrolle der damaligen Gesellschaft zu verlieren. Nachdem Oliver jedoch später den lange herbeigesehnten Ausbruch zur feierlichen Selbstentfaltung erlebt, ist die große emotionale Stärke des Films auch die Wiederannäherung zwischen Sohn und Mutter als runder dramaturgischer Höhepunkt.

Ebenso können Angelina Häntsch als einfühlsame, gute Freundin und Daniel Zillman als weitere seelische Stütze brillieren, während Martin Brambach als neugieriger Nachbar die zuschnürende Luft des Dorflebens originell einfängt.

Fazit: Olivia ist somit ein erzählenswerter und kraftvoller Film geworden, der die Geschichte einer Drag-Ikone nacherzählt, die auch zur Sichtbarkeit und Akzeptanz weiterer queerer Stimmen beigetragen hat. Das Biopic rückt so den ungeschminkten Aufstieg zum Erfolg statt der geschminkten Lebenslinie in den Mittelpunkt.

Deshalb gibt es hierfür 90 von 100 Perücken von mir!

Hinweis: Das Biopic kann bis 5. Mai 2027 im ZDF Streaming-Portal geschaut werden.

Gestern wiederholte das Erste in seinem Filmmittwoch den TV-Thriller Sugarlove (2021). Unter der Regie von Isabel Kleefeld (Hilfe! Hochzeit! – Die schlimmste Woche meines Lebens) wurde der Film mit Fritz Karl, Barbara Auer und Cosima Henman in den Hauptrollen besetzt. Der Nebencast wird von Marie Förster, Juri Senft, Johanna Gastdorf, Robert Dölle und Denis Schmidt unterstützt!

Das scheinbar perfekte Akademiker-Ehepaar Julia und Patrick führt seit vielen Jahren eine stabile und harmonische Beziehung. Während sie sich im Alltag gut verstehen und ein erfülltes Leben aufgebaut haben, ist ihre körperliche Beziehung wiederum längst eingeschlafen. Um dieses Ungleichgewicht zu lösen, treffen beide eine ungewöhnliche Vereinbarung: Der Ehemann darf sich außerhalb der Ehe eine rein sexuelle Affäre suchen – aber klar geregelt und ohne emotionale Bindung.

Über ein Online-Portal lernt er die junge Klara Becker kennen, die sich bewusst auf solche Arrangements einlässt. Anfangs scheint das Modell noch wie geplant zu funktionieren, doch je länger die Beziehung andauert, desto schwieriger wird es, die vereinbarten Grenzen einzuhalten. Die Dynamik zwischen den drei Beteiligten verändert sich zunehmend und bringt das sorgfältig konstruierte Gleichgewicht ins Wanken.

Sugarlove überzeugt dank seiner zwei Perspektiven, die das Katz-und-Maus-Spiel innerhalb der anfänglich klaren Rollenverteilung bereichern. Mit den Grundzutaten von Filmen wie Eine verhängnisvolle Affäre oder Die Hand an der Wiege verrührt die TV-Produktion ihre ganz eigene, fesselnde Dynamik, die zu einem für mich unerwarteten Schluss führt. Trotz der zwei Erzählstränge, die einmal die Gegenwart aus Polizeisicht und die Vergangenheit rund um die verhängnisvolle Dreierkonstellation aufgreifen, bleibt die Inszenierung spannungsgeladen und fokussiert.

Während Barbara Auer und Fritz Karl ein glaubwürdiges Ehepaar verkörpern, überstrahlt die charismatisch aufspielende Cosima Henman als verführende Femme Fatale Klara Becker den Cast. Mit ihrer Darbietung wickelt sie dabei nicht nur Patrick, sondern auch den Zuschauer um den Finger. Doch sie verkommt nicht zum typisch-hollywoodreifen Abziehbild einer psychopathischen Stalkerin, sondern erlangt durch einen entscheidenden Umstand auch zunehmend nahbare Züge. Dennoch sorgen vor allem ihre wirkungsvoll platzierten Wutausbrüche für einschüchternde Momente. Mit erschreckender Wucht weiß zudem Robert Dölle den Nebencast aufzumischen.

Fazit: Sugarlove ist ein packender TV-Thriller, der von der Dynamik seines Hauptcasts atmosphärisch gelenkt wird und am Ende dem klassischen Abziehbild zwischen Gut und Böse entkommt. Kurzum: ein bestechend-heißes Unterfangen von prickelnder Intensität!

Von mir dafür 85 von 100 gebrochene Herzen!

Hinweis: Sugarlove kann bis 29.07.2026 in der ARD Mediathek gestreamt werden und ist ansonsten auf DVD oder u.a. über den ARD Plus Channel über Prime Video bzw. MagentaTV verfügbar!

Kürzlich habe ich das schweizerisch-deutsche Drama Heldin (2025) nachgeholt.

Unter der Regie von Petra Volpe wird vor allem Schauspielerin Leonie Benesch als Pflegefachfrau Floria Lind in den Mittelpunkt gerückt. In weiteren Rollen sind u.a. Sonja Riesen, Selma Jamal und Alireza Bayram zu sehen.

Der Film Heldin begleitet die engagierte Pflegefachfrau Floria, die in der chirurgischen Abteilung eines Schweizer Krankenhauses arbeitet. Während einer ohnehin stressigen Spätschicht verschärft sich die Situation dramatisch, als Personalmangel und immer neue Notfälle die Station an ihre Grenzen bringen. Zwischen medizinischen Herausforderungen, fordernden Patientinnen und Patienten sowie emotional belastenden Momenten gerät Florias Dienst zunehmend außer Kontrolle – und entwickelt sich zu einer nervenaufreibenden Belastungsprobe.

Mit Heldin ist ein längst überfälliger Film entstanden, der die Folgen des Fachkräftemangels in der Pflegebranche am Beispiel einer Person realitätsnah zuspitzt. Dank eines dokumentarischen Inszenierungsstils verzichtet man auf unnötige Effekte. Die atmosphärische Musik begleitet das Geschehen hierbei sehr stimmungsvoll. Darüber hinaus überzeugt das mitreißende Schauspiel von Leonie Benesch, die den Film auch emotional eindringlich durchträgt. Dies gelingt auch, da der Film durchgehend aus ihrer Perspektive erzählt wird und mit nur wenigen Schnitten auskommt. Dennoch bleibt die Inszenierung ruhelos und offenbart sehr wertschätzend und respektvoll das Belastungsniveau von Pflegefachkräften.

Fazit: Heldin ist ein Film, der nicht nur seine Hauptdarstellerin, sondern auch den Zuschauer emotional fordert und einen Einblick in eine Branche gewährt, die am Rande ihrer Belastung agiert. Vielleicht trägt ein solcher Film deshalb auch dazu bei, dass man künftig etwas mehr Verständnis für Pflegefachkräfte aufbringen kann.

Von mir hierfür 90 von 100 Krankenbetten!

Hinweis: Heldin kann derzeit u.a. auf Blu-ray und DVD gekauft oder kostenpflichtig bei Prime Video gestreamt werden.

Kürzlich habe ich den Fernsehthriller Dein Leben gehört mir (2019) gestreamt.

Unter der Regie von Jochen Alexander Freydank (Das Joshua Profil) wurde der Film u.a. mit Josefine Preuß, Vladimir Burlakov, Anna Blomeier, Teresa Harder, Max Hopp und Victoria Chilap besetzt.

Die junge Ärztin Malu lernt Hannes Jäger, einen scheinbar perfekten Mann kennen, doch schon bald fallen ihr zunehmend seltsame und beunruhigende Verhaltensweisen an ihm auf. Nachdem sie die Beziehung beendet, beginnt er, sie systematisch zu verfolgen und ihr Leben zu kontrollieren – ohne dabei nachweisbare Spuren zu hinterlassen. Da die Polizei machtlos ist, gerät Malu immer tiefer in einen Albtraum und sieht sich schließlich gezwungen, selbst einen Ausweg zu finden.

Dein Leben gehört mir bedient sich an vielen stimmigen Zutaten eines packenden Psychothrillers. Während Josefine Preuß glaubwürdig zwischen lässiger Coolness und mitfiebernder Ängstlichkeit überzeugt, ist es vor allem Vladimir Burlakov, der durchweg für atemlose Spannung sorgt. Seine psychopathische Figur bietet dabei schaurige Unberechenbarkeiten, die im Rahmen der Thriller-Konventionen gut funktionieren. Hierbei ist der Fokus auch vom Kennenlernen bis zum existenziellen Showdown auf das Katz-und-Maus-Spiel seiner beiden Hauptfiguren gerichtet. Darüber hinaus spielt der Film mit schlüssiger Symbolik wie dem Greifvogel von Hannes Jäger, um die unmittelbare Bedrohung noch einmal zu verstärken. Auch der atmosphärische Schnitt und die einschüchternd-dramatische Filmmusik sorgen für optimal bedrängte Stimmung.

Fazit: Dein Leben gehört mir ist überzeugend konventionelle Thrillerunterhaltung, die schauspielerisch atemlos fesselt und dank Schnitt und Musik eindringlich überzeugt.

Von mir hierfür 85 von 100 Greifvögel!

Hinweis: Dein Leben gehört mir (2019) kann über Joyn oder dem SAT.1 Emotions Channel bei Prime Video gestreamt werden.

Kürzlich habe ich mir zum ersten Mal den US-Thriller Die Hand an der Wiege (1992) gegönnt!

Unter der Regie von Curtis Hanson (L.A. Confidential, 8 Mile) ist der Film mit Annabella Sciorra, Rebecca De Mornay, Matt McCoy, Ernie Hudson, Julianne Moore, Madeline Zima und John de Lancie besetzt worden.

Der Film erzählt von der scheinbar perfekten Bilderbuch-Familie Bartel, deren Alltag nach einem tragischen Vorfall noch stärker aus den Fugen gerät, als sie eine Nanny engagieren. Die zunächst freundliche und kompetent wirkende Frau fügt sich schnell in das Familienleben ein und gewinnt das Vertrauen aller Beteiligten. Doch hinter ihrer ruhigen Fassade verbirgt sich intrigantes Kalkül, um der Familie langfristig zu schaden.

Die Hand an der Wiege bietet mitreißende Thrillerkost, die bis zum waghalsigen Ende viele packende Momente liefert, die zunehmend an Intensität gewinnen. Hierbei überzeugt vor allem Rebecca De Mornay als boshafte Peyton Flanders, die sowohl die vorgetäuscht herzliche, die Femme Fatale, aber auch die abgrundtief gebrochene Psychopathin grandios verkörpert. Da verzeiht man dem Film auch gelegentliche Vorhersehbarkeiten, die im konventionellen Spannungsaufbau auftreten.

Daneben kann auch Ernie Hudson als Solomon punkten. Dieser verkörpert einen geistig behinderten, jedoch liebenswürdigen und loyalen Mann mit intuitiver Menschenkenntnis. Hudson besticht in seiner Rolle dabei mit einem emotional sehr intensiven Schauspiel, das immerzu durchscheint und über den Film hinweg eine Art moralische Instanz darstellt. Auch Annabella Sciorra liefert viele große Gefühle ab, die sie sehr sensibel zum Ausdruck bringt.

Fazit: Trotz Vorhersehbarkeiten liefert Die Hand an der Wiege packenden Thrillerstoff, der vor allem auch dank Rebecca De Mornay bis zum Schluss fesselnde Unterhaltung bereithält.

Von mir hierfür 90 von 100 Muttermilchpumpen!

2025 entstand unter dem gleichen Titel übrigens ein Remake, das allerdings mit der ebenfalls grandios aufspielenden Maika Monroe als Antagonistin ganz eigenständige Abgründe entwickelt!

Hinweis: Die Hand an der Wiege (1992) kann derzeit u.a. auf DVD bestellt oder zusammen mit dem Remake (2025) bei Disney+ gestreamt werden.

Beim gestrigen Tatort unter dem Titel Showtime scheiden sich einmal mehr die Geister. Während ein Teil Max Giermann für sein Schauspiel feiert und die besondere Inszenierung lobt, sind andere nur genervt von einem Komiker, den sie nicht ernst nehmen können und einer zu überkonstruierten Folge rund ums Showbusiness. Für mich entfaltet die Episode ihre Stärken aber eher in einer bitterbösen Mediensatire als in einem wirkungsvollen Krimi.

Unter der Regie von Isabell Šuba (Hanni und Nanni – mehr als Beste Freunde, Der Barcelona-Krimi) ermittelt das Kölner Ermittlerduo Ballauf und Schenk innerhalb ihres 95. Falls in der Kult-Kindersendung Sachen und Lachen. Dieses Format wird von Frank Anders zusammen mit seiner Frau moderiert, wobei sie auch die kreative und finanzielle Verantwortung tragen. Als die Leiche des dortigen Kameramanns Stefan Glück in einem ausgebrannten Kofferraum vorgefunden wird, stoßen Ballauf und Schenk bei ihren Ermittlungen schon bald auf die Schattenseiten der Produktion.

Während nach außen stets ein kinderfreundliches Image beibehalten wird, brodelt innerhalb des Studios ein toxisches Arbeitsklima. Allen voran der cholerische Frank Anders überschattet mit seinem Perfektionismus die Produktion und gerät des Öfteren mit dem Puppenspieler Yassin Meret aneinander. Demnach stammt der Täter womöglich aus den eigenen Reihen. Als sich die Lage dramatisch zuspitzt müssen Ballauf und Schenk einmal mehr herausfinden, welche rätselhafte Systematik sich hinter der medialen Scheinfassade abspielt.

Wer nun einen konventionellen Krimi erwartet hat wird klar enttäuscht sein, denn das ist Tatort: Showtime einfach nicht. Aus meiner Sicht überzeugt aber die moderne Inszenierung, die sich der thematischen Stilistik anpasst. Hier wurde nicht nur erzählerisch, sondern auch visuell eine satirisch-teils-überzeichnete Inszenierung vorgelegt. Dazu passt auch der theatralisch, fast schon cartoonesk aufspielende Max Giermann, der mit komödiantischer Künstlichkeit, ausgeprägter Cholerik oder verzweifelter Dramatik zwischen den Extremen switcht. Die emotionalen Zwischentöne gibt es bei seinem Frank Anders so gut wie nie. Das Ermittlerduo um Klaus J. Behrendt und Dietmar Bär hält sich vor allem in den Szenen mit Giermann schauspielerisch angenehm zurück und bildet auch sonst den rational-aufklärenden, aber auch schmunzelnden Ruhekern der Handlung.

Thematisch offenbart die Inszenierung eine schonungslos-ehrliche und zugleich komödiantisch immer wieder leicht überzeichnete und zuweilen auch selbstironische Abrechnung mit dem Mediengeschäft. Ähnlich wie in Kein Pardon wird eine Branche nachgezeichnet, die hinter lachender Scheinfreude eine manipulative und belastende Arbeitsatmosphäre offenlegt, die verstärkt Produktivität statt Menschlichkeit priorisiert.

Fazit: Tatort: Showtime ist somit keine konventionelle Folge der Reihe und demnach für viele die das Gewohnte erwartet hatten, ein Dorn im Auge gewesen. Doch am Ende bietet dieser Teil eine herrlich-launige Abrechnung an die Medienbranche mit einem grandios-aufspielenden Max Giermann in einer der Hauptrollen. Mit 8,54 Mio. Zuschauern überzeugte die Folge trotz kritischer Zungen auch quotentechnisch!

Hinweis: Die Folge ist bis zum 12. April 2027 in der ARD Mediathek abrufbar.

Mit Der letzte Mentsch (2013) möchte ich euch heute eine der späten Charakterrollen des kürzlich verstorbenen Mario Adorf ans Herz legen.

Das deutsche Roadmovie-Drama entstand unter der Regie des französischen Regisseurs Pierre-Henry Salfati. Neben Adorf haben Katharina Derr und die ebenfalls verstorbene Hannelore Elsner tragende Rollen übernommen.

Der letzte Mentsch dreht sich um Marcus Schwarz, einen alten Mann, der als Holocaust-Überlebender in Deutschland lebt und am Ende seines Lebens einen sehr persönlichen Wunsch hat: Er möchte nach jüdischem Ritus in Israel bestattet werden.

Das Problem dabei ist, dass seine jüdische Herkunft offiziell nicht eindeutig nachgewiesen werden kann – ihm fehlen Dokumente, die seine Identität bestätigen würden. Genau daraus ergibt sich die eigentliche Prämisse des Films: Um seinen letzten Wunsch zu erfüllen, begibt er sich auf eine Reise, um seine Vergangenheit zu belegen und seine familiären Wurzeln zu rekonstruieren.

Diese Suche führt ihn in osteuropäische Regionen, in denen seine Familie einst lebte. Dort versucht er, Spuren zu finden, die Hinweise auf seine Herkunft geben könnten. Die Reise wird so zu einer Mischung aus Recherche, persönlicher Rückschau und Konfrontation mit der eigenen Geschichte.

Der letzte Mentsch fokussiert sich zu großen Teilen auf Mario Adorf. Er beeindruckt mit einem einfühlsamen und innerlich-kraftvollen Schauspiel, das auch über den Abspann hinaus nachwirkt. Darüber hinaus wertet er seine Figur auch mit einer dezent-humorvollen Facette auf. Für seine Rolle hat sich Adorf dabei mittels Sprachcoaching einen authentisch osteuropäisch-jüdischen Akzent antrainiert.

Neben ihm überzeugt auch Katharina Derr, die seine mitreisende und rebellische Begleitung Gül verkörpert. Gemeinsam versprühen beide eine charmante Chemie, die für herzliche, aber auch berührende Unterhaltung sorgt. Ebenso kann in der zweiten Filmhälfte Hannelore Elsner brillieren, die als blinde Frau Ethel sanftmütige Töne anschlägt, die jedoch schon bald in einem tragischen Schicksal verklingen. All dies sind schauspielerisch so eindrucksvolle Leistungen, dass man über eine gewisse Vorhersehbarkeit der Inszenierung hinwegsehen kann.

Fazit: Der letzte Mentsch ist ein von emotional tiefwühlenden Tönen inszeniertes Roadmovie, das neben Mario Adorfs grandiosen Schauspiel auch von Katharina Derr und Hannelore Elsner entscheidend mitgetragen wird. Kurzum, trotz vorhersehbarer Momente, ein würdiger Film aus Mario Adorfs Spätwerk, das eindrucksvoll die große Schauspielklasse eines Jahrhundertkünstlers offenbart.

Von mir hierfür 85 von 100 Steine!

Hinweis: Der letzte Mentsch kann derzeit u.a. auf DVD bestellt oder kostenpflichtig bei Prime Video gestreamt werden.

Nach meiner Kritik zu Gottes vergessene Kinder möchte ich passend dazu auch meine Kritik zu Coda veröffentlichen!

Im Februar 2024 konnte ich nämlich das dreifach oscarprämierte Filmdrama von Siân Heder mit einem Probeabo bei Apple TV+ nachholen! Die wichtigsten Rollen sind mit Emilia Jones, Marlee Matlin, Troy Kotsur, Daniel Durant, Ferdia Walsh-Peelo und Eugenio Derbez besetzt. Der Film stellt sowohl ein Remake der französischen Komödie Verstehen Sie die Béliers? als auch eine Fortsetzung von Heders Spielfilmdebüt Tallulah dar. Ob Coda mich ebenso wie viele der damaligen Kritiken und Auszeichnungen des Films beeindrucken konnte oder er hinter dem Schatten der berüchtigten Ohrfeige zu Recht etwas in Vergessenheit geraten ist, möchte ich euch gerne verraten!

Das Dilemma zwischen Pflicht und Leidenschaft

Inhaltlich handelt Coda von der 17-jährigen Ruby, die als einzig hörendes Familienmitglied als dolmetschendes Bindeglied zwischen ihrem Zuhause und der Außenwelt fungiert. Bereits der Filmtitel greift dies auf, da CODA die Abkürzung für Children of Deaf Adults (Kinder von gehörlosen Erwachsenen) bedeutet. Dabei unterstützt sie zur Aufrechterhaltung des Familienbetriebs das gemeinsame Fischereigeschäft. Von ihren Mitschülern muss sie aber leider immer wieder böse Hänseleien verkraften. Lediglich ihre Freundin Gertie beteiligt sich nicht an solchen widerspenstigen Aktionen.

Nachdem sie schließlich einem Chor ihrer High-School beitritt, um sich erstmal ihrem Schwarm anzunähern, entdeckt ihr neuer Gesangslehrer Bernardo Villalobos schon bald ihre Gesangsbegabung. Dabei möchte er sie nicht nur für ein Duett einer baldigen Herbstaufführung gewinnen, sondern glaubt auch, dass sie das Talent für ein Stipendium am renommierten Berklee College of Music in Boston besitzt. Dafür opfert ihr Gesangslehrer schließlich seine private Zeit, um ihren Gesang zu verfeinern. Doch schon bald muss sich Ruby einer schweren Entscheidung zwischen ihrer Gesangskarriere und gehörlosen Familie stellen, die bislang immer auf Rubys dolmetschendes Geschick zählen und vertrauen konnte! Sie liebt ganz klar ihre Familie, aber auch die Musik – Für welche der beiden Seiten wird sich Ruby also entscheiden?

Coda porträtiert Gehörlosigkeit mit Humor und Tiefe

Coda widmet sich dem Thema der Gehörlosigkeit trotz deutlich humorvoller Zwischentöne, sehr liebevoll. Der Film vereint mit seinem Cast um Marlee Matlin (Mutter Jackie), Troy Kotsur (Vater Frank) und Daniel Duran (Bruder Leo) tatsächlich gehörlose Schauspieler, die ihre Rolle auch deshalb mit der nötigen Glaubwürdigkeit verkörpern können. Der Humor bedient sich zwar manchmal einem eher schrillen Ton, entflammt aber aufgrund des Zusammenspiels mit Emilia Jones auf eine höhere Qualitätsebene. Sie fungiert trotz Untertitel der gehörlosen Familie, nicht nur als Dolmetscherin ihrer Eltern, sondern gleichwohl auch als die des Zuschauers und rundet den Humor aus meiner Sicht erst so richtig ab. Dies geschieht aber nie von oben herab und ohne mitleiderregende Stilmittel, sondern immer auch aus Sicht der liebenden Tochter, die auf teils rebellische Weise ebenso ihre Freiheiten einfordert.

Eindringliche Szenen bringen das Thema dem Publikum nahe

Dabei kann sich der Zuseher vor allem mit Rubys Seelenleben identifizieren. Der dafür mit dem Oscar prämierte Troy Kotsur (Vater Frank) kann im Verlauf des Films aber ebenfalls zahlreiche Sympathien einfahren und eine emotional sehr eindringliche Performance abliefern, die vor allem in einer gemeinsamen Szene zwischen Tochter und Vater innig zum Tragen kommt. Auch Eugenio Derbez, der den Gesangslehrer Bernardo Villalobos verkörpert, kann sich trotz seiner anfänglich schroffen Art zu einem kleinen Sympathieträger aufgrund seiner wichtigen und unterstützenden Schlüsselrolle entwickeln.

In einer sehr bedeutenden Szene schafft es Coda nicht zuletzt auch, den Zuschauer in die Welt der Gehörlosigkeit zu holen. So blendet er bei einem Gesangsauftritt einfach den Ton ab um die Gefühlswelt der Familie, die den großen Auftritt nur visuell und somit auch anhand der Reaktionen des Publikums nachempfindet, verfolgen kann. Für seine finale Gesangsdarbietung findet der Film außerdem eine versöhnliche Verschmelzung zwischen Musik und Gebärdensprache, womit dank der inhaltlich harmonierenden Titelauswahl von Both Sides Now das Gefühlsleben der Hauptfigur emotional wunderschön verdeutlicht wird.

Mein Fazit zu Coda

Coda ist für mich ein großartiger Film, der eine weitere Beachtung mehr als verdient hat und mit seinem Fokus auf die Gehörlosigkeit einen bislang noch nicht so ausgetretenen Pfad begeht. Dabei verdient Siân Heders bestrebter Perspektivwechsel durch raffinierte Einfälle wie die Stummschaltung des Tons und die Verbindung von Musik mit Gebärdensprache, um die Lebenswirklichkeit von Children of Deaf Adults und gehörlosen Eltern für ein außenstehendes Publikum zugänglich zu machen meine volle Anerkennung! Deshalb schön, dass dieser Film auch solchen Lebensgeschichten Gehör schenkt!

Von mir hierfür 95 von 100 Fische!

Diese Kritik ist erstmalig am 23. Februar 2024 bei Whatthefilm online gegangen!

https://whatthefilm.ch/coda-coming-of-age-drama-oscargewinner-2022-handlung-kritik/

Ich möchte euch mal das Liebesdrama Gottes vergessene Kinder (1986) ans Herz legen, das ich kürzlich bei YouTube nachgeholt habe.

Unter der Regie von Randa Haines (Der Doktor – Ein gewöhnlicher Patient, Walter & Frank – Ein schräges Paar) ist der Film in den Hauptrollen mit William Hurt sowie der gehörlosen Schauspielerin Marlee Matlin besetzt, die hierfür mit dem Oscar in der Kategorie Beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet wurde. In weiteren Rollen sind Piper Laurie und Philip Bosco zu sehen.

Der Film erzählt die Geschichte des Sprachlehrers James Leeds, der an einer Schule für gehörlose Jugendliche unterrichtet und ihnen die gesprochene Sprache näherbringen will. Dort begegnet er der selbstbewussten Sarah, die als Reinigungskraft arbeitet, ausschließlich in Gebärdensprache kommuniziert und das Sprechen ablehnt. Zwischen beiden entwickelt sich eine intensive Beziehung, die von grundlegenden Unterschieden geprägt ist. Während James Brücken zwischen den Welten bauen möchte, verteidigt Sarah ihre Identität, wodurch ein emotionaler Konflikt entsteht, der ihre Verbindung auf die Probe stellt.

Gottes vergessene Kinder ist in seinen Emotionswelten zwischen der hörenden Figur des James Leeds und der gehörlosen Sarah sehr feinfühlig und sensibel realisiert worden. Die Chemie zwischen William Hurt und Marlee Matlin ist von einer prickelnden Spiellust in vielen emotionalen Zwischentönen geprägt. Der Klassiker verharrt aber nicht nur in gefühligen Nuancen, sondern findet auch einen tief-berührenden Höhepunkt, der unweigerlich zur Weiterentwicklung seiner beiden Hauptfiguren führt.

Fazit: Gottes vergessene Kinder bleibt damit noch heute romantisch-dramatisches Wohlfühlkino, das mit dem Charme seiner beiden Hauptdarsteller punkten kann.

Von mir hierfür 85 von 100 Annäherungsversuche!

Ich möchte euch mal den TV-Thriller Eine bessere Welt (2025) empfehlen.

Der Film wurde von Zeitsprung Pictures fürs ZDF unter der Regie von Sebastian Hilger (Wir sind die Flut) produziert.

In den Hauptrollen sind Peri Baumeister, Serkan Kaya, Soraya Maria Efe und Elyas Efe zu sehen. In weiteren Rollen sind außerdem Kayla Shyx, Dunja Hayali, Carl Phillip Benzschawel und Nikolai Will von der Partie.

Der Fernsehfilm folgt der Wissenschaftlerin Dr. Elena Stanat, die nach einem Auftritt in einer Talkshow mit ihren Thesen zur Klimakrise plötzlich ins Zentrum der öffentlichen Aufmerksamkeit gerät.

Was zunächst als kontroverse Debatte beginnt, entwickelt sich rasch zu einer massiven Welle aus Hass, Drohungen und Hetze im Internet, die nicht nur sie selbst, sondern auch ihre Familie zunehmend belastet. Trotz Unterstützung durch die Hilfsorganisation HateAid wird die Situation immer angespannter und die Bedrohung allgegenwärtig. Statt die Täter zu bestrafen, wird hierbei noch dem Opfer die Schuld zugeschoben, womit die Hetzjagd schon bald existenzielle Auswüchse annimmt.

Eine bessere Welt ist ein äußerst wirkungsvoller Thriller, der aufzeigt, wie belastend digitale Gewalt sein kann und wie schnell diese in die analoge Welt übersiedelt. Dem Film gelingt es in zunehmend dramatischer angelegten Einschüben, ein Familienleben nachzuzeichnen, das an der enormen Belastung zu zerbrechen droht.

Dabei spielt der Thriller im raffinierten Wechselspiel mit der Wahrnehmungswelt der betroffenen Person. Peri Baumeister geht hierbei in ihrer emotional mitreißenden Schauspielleistung eindrucksvoll auf und trägt den Film bis zur letzten Minute. Der weitere Cast ist eine glaubwürdige Stütze, wobei vor allem Dunja Hayali in einer kleinen Rolle, aber auch Kayla Shyx, die ebenso als Webvideoproduzentin aktiv ist, dem Film eine realitätsnahe und einfühlsame Gewichtung verleihen.

Für mystische Spannung sorgen auch die zahlreichen Off-Kommentare, die eine Brücke zu einigen Figuren schlagen, die später zu sehen sind.

Fazit: Eine bessere Welt ist ein grandioser Thriller zu einem hochbrisanten und wichtigen Thema, das zwischen kompetenten Stil und Schauspiel spannungsreich mitreißt.

In meinem Bewertungsraster vermerke ich mir hierzu 80 von 100 Hasskommentare!

Hinweis: Eine bessere Welt kann aktuell im ZDF Streaming-Portal zusammen mit der Begleitdoku Hass im Netz: Eine bessere Welt nachgeholt werden!

Wer sich an Leinwandlegende Charlie Chaplin erinnert, verbindet in aller Regel untrennbar mit seinem Lebenswerk Filme wie Goldrausch (1925), Lichter der Großstadt (1931), Moderne Zeiten (1936) oder Der große Diktator (1940).

Chaplins Spätwerk mit Filmen wie Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris (1947), Ein König in New York (1957) oder Die Gräfin von Hongkong (1967) genießen hierbei eher ein Schattendasein hinter dem Rampenlicht seiner größten Klassiker!
Ähnlich verhält es sich mit seiner 1952 veröffentlichten Tragikomödie Limelight (Rampenlicht), die auch in der damaligen Bewertung der Kritiker und Zuschauer aufgrund Chaplins Verdächtigung des Kommunismus zu leiden hatte.

Darin geht es um den ehemals erfolgreichen Komiker Calvero, der die Verbindung zum Publikum verlor und schließlich zum Alkohol griff. Dies führte zu einem Herzinfarkt, den er aber überlebte. Auch sechs Monate nach seiner Krankenhausentlassung ist es ihm nicht wieder gelungen, eine neue Anstellung zu finden, nachdem die gesamte Branche Calvero als Komiker aufs Abstellgleis schieben wollte.

Als er schließlich vom Alkohol berauscht an der Tür zu seiner Wohnung Gasgeruch bemerkt, entdeckt er im Raum des Geschehens eine junge Frau, die bewusstlos auf dem Bett liegt. Dabei handelt es sich um Thereza Ambrose (Terry), die einst eine erfolgreiche Balletttänzerin war, aber für einige Zeit aufgrund ihres Rheumas pausieren musste. Nachdem sie aufgrund ihrer Erkrankung diesen Beruf nicht ausüben konnte, wollte sie sich das Leben nehmen. Doch Calvero gelingt es dies zu verhindern und ihrem Leben einen neuen Sinn zu verleihen.

Rampenlicht von Charlie Chaplin ist in seinem gesamten Tonfall ein kompletter Gegenentwurf zu seinen klassischen Komödien, die sich vor allem auf den Slapstick fokussieren. Klassische komödiantische Nummern finden hier hauptsächlich im Rahmen von Auftritten der Figuren statt, während die restliche Handlung mit einer sehr tragikomischen und teils auch philosophisch gefärbten Note versehen ist.
Dabei weist Rampenlicht starke biografische Züge aus Chaplins Leben auf, da er den Film als Hommage an das Londoner Varieté-Milieu, in welchem er seine Karriere startete, inszenierte.

Chaplins Schauspiel ist hierbei von einer theatralischen Dominanz geprägt, die aber eine durchgehend würdevoll-anrührende Glaubwürdigkeit besitzt, welche glänzend mit seiner Figur harmoniert. Die Rolle gibt dem Zuschauer so einen schonungslosen Blick in die Schauspielbranche, aber auch seiner damaligen Vita, die ihre kommerziellen Hochglanzzeiten bereits hinter sich hatte. So schwingt in seinem Film auch immer eine gehörige Prise Wehmut und Nachdenklichkeit mit, die dem „traurigen Clown“ eine aufrichtige Würdigung ermöglicht. Claire Bloom kann darüber hinaus als weiblicher Part viele charismatische Momente für sich beanspruchen, die ihre Terry zu einer liebenswürdigen jungen Frau machen.

Ebenso kann Chaplins komponierte Filmmusik in den emotionalsten Momenten ergänzend auftrumpfen.

Fazit: Somit ist Rampenlicht aus meiner Sicht ein sehenswertes, aber für den Mainstream leider auch etwas in Vergessenheit geratenes Melodram aus Chaplins Spätwerk, das dank seiner Hauptdarsteller sowie philosophisch-berührenden Momenten und vereinzelten Slapstick-Einlagen zu überzeugen vermag. Letztlich ein überaus reifes Spätwerk, das den ersten Weltstar des Kinos in einem würdigen Rampenlicht erstrahlen lässt.

Dafür vergebe ich gerne 90 von 100 Balletttänzerinnen!

Hinweis: Rampenlicht ist u.a. auf der Charlie Chaplin Complete Collection auf Blu-ray oder DVD zu finden. Einer empfehlenswerten Edition mit 10 Spielfilmen und 7 Kurzfilmen bzw. mittellangen Filmen aus Chaplins Lebenswerk. Hinzu kommen jede Menge Extras. Darüber hinaus könnt ihr Rampenlicht kostenlos bei Plex oder über den ARTHAUS+-Channel bei Prime Video streamen.

Im Zuge des kürzlichen 100. Geburtstages von Jerry Lewis möchte ich zum Ausklang der Woche mit The King of Comedy (1983) einen Film von Martin Scorsese empfehlen, der einst unterschätzt wurde.

Neben Jerry Lewis hat Robert De Niro eine weitere Hauptrolle übernommen. In Nebendarstellungen sind zudem Sandra Bernhard, Diahnne Abbott und Shelley Hack zu sehen.

The King of Comedy erzählt von Rupert Pupkin, einem erfolglosen, aber fanatisch ehrgeizigen Möchtegern-Komiker, der davon träumt, eines Tages ganz groß herauszukommen. Besessen von Ruhm und Anerkennung steigert er sich in die Vorstellung hinein, bereits kurz vor seinem Durchbruch zu stehen, und klammert sich dabei an die Hoffnung, von seinem Idol, dem erfolgreichen Talkshow-Moderator Jerry Langford, entdeckt zu werden. Während Rupert immer verzweifelter versucht, Zugang zur Welt des Showbusiness zu bekommen, verschwimmen für ihn zunehmend die Grenzen zwischen Realität und Fantasie – und sein Wunsch nach Aufmerksamkeit nimmt immer extremere Formen an.

The King of Comedy war seinerzeit ein Kinoflop für Martin Scorsese, der jedoch unter den Kritikern hochgeschätzt wurde. Heute zählt seine schwarzhumorige Mediensatire zu den lange übersehenen Werken der Filmgeschichte. Dabei erzeugt der Film ein unbehagliches Gefühl, da die kontroverse Figur Rupert Pupkin als Identifikationszentrum für den Zuschauer eingeführt wird. So gelingt es The King of Comedy, aus beiläufig-sarkastischen Witzen und einer anfänglich belächelten Außenseiterfigur, eine zunehmende Bedrohung zu kreieren, die die Gefahr von Fanatismus im reißenden Kontrast zur Starbranche offenlegt. Ein Thema, das auch in der heutigen Social-Media-Welt mit ihrer teils toxischen Fankultur gegenwärtig ist, wenn die Grenzen zwischen Fans und ihren Idolen zunehmend verschwimmen.

Jerry Lewis brilliert hier erstmals in einer ernsthaften Rolle vor Publikum, die an keiner Stelle der Lächerlichkeit preisgegeben wird. Bei ihm geben bereits Blicke den ernsten Ton an, um der Mediensatire die nötige Seriosität zu geben und den Gegenpol zum fanatisch agierenden De Niro zu intensivieren. Dieser sorgt für die komödiantisch-abgründigen Momente, die auch für ihn einen Imagebruch darstellten. Statt schonungsloser Härte verleiht er seiner Figur eine psychisch-gequälte Zerbrechlichkeit, die in vielen überdrehten Momenten über die Grenzen des Fremdschams ausufert. Ein genialer Schachzug ist es dabei Rupkins Tagträume mit der tatsächlichen Realität in Kontrast zu stellen, um seine Obsession auch für den Zuschauer begreifbarer zu machen. Ebenso brilliert Sandra Bernhard als Masha in einigen schauspielerisch-überraschenden Momenten.

Fazit: The King of Comedy ist mit seiner packenden sowie heute noch brisanten Grundidee und seinem starken Cast eine sehenswerte Mediensatire, die leichtfüßig Spannung erzeugt, ohne an Eindringlichkeit zu verlieren.

Dafür gibt es von mir 90 von 100 fanatische Fans!

Hinweis: Der Film kann aktuell kostenlos bei Plex oder kostenpflichtig über Prime Video oder maxdome gestreamt werden. Für meine Sichtung habe ich auf das Mediabook von FilmConfect zurückgegriffen, dass mit einem gehaltvollen Essay von Marcus Stiglegger aufwartet, aber wie auch die normale Blu-ray Auflage mittlerweile leider vergriffen ist!

2013 erschien unter der Regie von Denis Villeneuve das amerikanische Mysterydrama Prisoners.

Im Cast versammeln sich viele namhafte Darsteller wie Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Terence Howard, Paul Dano, Melissa Leo, Maria Bello und Viola Davis.

Der Thriller erzählt von zwei Familien, deren Leben aus den Fugen gerät, als ihre kleinen Töchter nach einem gemeinsamen Thanksgiving spurlos verschwinden. Während die Polizei unter der Leitung von Detective Loki fieberhaft ermittelt und einem ersten Verdächtigen nachgeht, wächst bei Vater Keller Dover die Verzweiflung. Als die offiziellen Ermittlungen ins Stocken geraten, beginnt er, die Suche selbst in die Hand zu nehmen – und überschreitet dabei zunehmend moralische Grenzen.

Prisoners gelingt es hierbei gekonnt, eine falsche Fährte zu legen und den Zuschauer effektiv an der Bedrohung vorbeizuführen. Die 153 Minuten Laufzeit werden dabei mit packender Atmosphäre und vereinzelten Momenten von schonungsloser Härte inszeniert. Dabei spielt Hugh Jackman mit seiner durch Verzweiflung angestauten Wut eine einschüchternde Emotionskraft aus und treibt die Dynamik zwischen Ermittlungen und Eigenjustiz ins spannende Verderben. Sein grenzüberschreitendes Verhalten lässt ihn zunehmend zum Antihelden aufsteigen, dessen vereinzelt durchschimmernde Angst und Unsicherheit immer stärker hinter einer militanten Entschlossenheit rückt.

Terence Howards Rolle des vom Gewissen geplagten Vaters Franklin Birch verstärkt schließlich den Kontrast von Dovers moralischer Entgleisung. Dano gelingt es hingegen, seine verängstigte Rolle des geistig eingeschränkten Alex Jones mit anfänglicher Zurückhaltung und später zunehmender Direktheit auszuspielen. Für weiteren Schwung sorgt außerdem Jake Gyllenhaal, der versucht, die Lage einzuordnen, um den Unstimmigkeiten auf den Grund zu gehen.

Die filmische Farbpalette wechselt stimmungsvoll zwischen unterkühlten, aber auch lichtgesetzten, erdigen Farbtönen. Das triste Wetter und die abgeklärten Kamerafahrten fangen darüber hinaus das zunehmend hoffnungslose Stimmungsbild der Hauptfiguren ein.

Prisoners schafft es außerdem, seine actionreichen Einschübe im Rahmen seiner spannungsgeladenen Geschichte ohne Effekthascherei einzusetzen und dem Film ein stilvoll-nachhallendes Ende zu verleihen.

Fazit: Mit Prisoners ist Denis Villeneuve ein grandioses Mysterydrama gelungen, das trotz seiner langen Laufzeit kaum Verschnaufpausen gewährt und emotional eindringlich fesselt.

Ich vergebe dafür gerne 95 von 100 Wohnwagen.

Diese Kritik wurde ursprünglich am 14. März 2026 für den YouTube Kanal von Filmtoast produziert. Mein Dank geht deshalb an Pascal Wichmann fürs Einsprechen meines Textes sowie an Benjamin Bartsch für den Videoschnitt:

Hinweis: Der Film kann aktuell u.a. auf Blu-ray und DVD gekauft oder über VOD-Plattformen wie dem superfresh-Channel bei Prime Video oder Netflix gestreamt werden.

Heute möchte ich hier meine Kritik zu The Dating Game Killer behandeln, die kürzlich erneut die Netflix-Charts eroberte. Den Film hatte ich bereits am 14. März 2025 besprochen!

2023 veröffentlichte Schauspielerin Anna Kendrick mit dem amerikanisch-kanadischen Thriller The Dating Game Killer ihr Regiedebüt.

Der Film ist neben Anna Kendrick mit Tony Hale und Daniel Zovatto besetzt worden und feierte am 8. September 2023 auf dem Toronto International Film Festival seine Premiere. Anschließend sicherte sich Netflix in den USA die Verwertungsrechte, während der Thriller in Deutschland seit 25. Januar 2025 auf diversen Streamingplattformen als VOD abrufbar ist.

Dabei basiert das Werk auf der wahren Begebenheit des verurteilten Serienmörders Rodney Alcala und Chery Bradshaw, die in einer US-Datingshow aufeinandertrafen.

Ob Anna Kendrick mit ihrem Regiedebüt The Dating Game Killer das richtige Gespür für einen spannungsgeladenen Thriller beweist oder ihren Fokus doch lieber bei der Schauspielerei belassen sollte, möchte ich euch in meiner Kritik verraten.

Um als Schauspielerin Ende der 70er Jahre in Los Angeles durchzustarten, wird Cheryl von ihrer Agentin ein Auftritt in der Flirtsendung The Dating Game vorgeschlagen, da dies ihrer Karriere zum nötigen Startschuss verhelfen könnte. Von der Idee nicht vollends begeistert, entschließt sich Cheryl dennoch zu einer Teilnahme. Vergleichbar mit der in Deutschland adaptierten Variante Herzblatt tritt in der Sendung ein Single auf, welcher abgeschirmt von einer Trennwand drei Kandidaten des anderen Geschlechts nach deren Vorlieben und Talenten befragt. Das Ziel der Kandidaten ist dabei, von sich zu überzeugen. Erst wenn sich nun der Single für einen Kandidaten entschließt, können sich beide erstmalig sehen. Doch Cheryl ahnt nicht, dass sich auch ein waschechter Serienmörder unter den Kandidaten verbirgt, der sein potentielles Opfer mit Cheryl gefunden hat. Ob es Cheryl dennoch gelingt, das Ruder herumzureißen und Rodney Alcala zu entkommen?

Neben seiner Hauptgeschichte, die sich zum großen Teil in der TV-Sendung abspielt, wird in einem weiteren Handlungsstrang auch die Perspektive auf den Serienmörder und vereinzelten anderen Opfern gelenkt.

Für ein Regiedebüt gelingt es Anna Kendrick sehr geschickt, trotz wechselnder Handlungsstränge den atmosphärischen Fokus beizubehalten. Durch die wechselnde Location verharrt ihr Film dabei nicht in einem Kammerspiel und wird damit zu einem sehr kurzweilig verspielten Thriller mit einigen Spannungsspitzen.

Hierbei intensiviert der Film seine Wirkung durch bewusste Ausblendung von expliziter Gewalt, was der bedrohlichen Atmosphäre, die sich als omnipräsenter Schleier um den Film legt, zugutekommt.

Schauspielerisch wird der Thriller vor allem von Daniel Zovatto als Serienmörder getragen, der seine abstoßend-schaurige Aura raffiniert und routiniert mit einem aufgesetzten Charme verbindet. Anna Kendrick verkörpert hingegen eine nach außen vermittelte Schlagkraft, die im weiteren Verlauf des Films aber auch nachvollziehbare Risse erfährt.

Darüber hinaus kann The Dating Game Killer auch mit zwei großartig aufspielenden Nebendarstellern punkten. Hier wäre einmal Autumn Best, die in einem weiteren Handlungsstrang ihre Rolle als Amy mit einem lässigen Charme, aber auch Schüchternheit anklingen lässt, während sie im weiteren Verlauf auch aus ihrer bis dahin reduzierten Schiene emotional glaubhaft ausbrechen darf.

Ebenso gelingt es, Nicolette Robinson als Laura zu überzeugen. Mit authentischer Verzweiflung versucht sie, ihr Umfeld darauf aufmerksam zu machen, dass hier der Mörder ihrer Freundin als Kandidat in der TV-Sendung sitzt. Doch niemand möchte ihr so richtig Glauben schenken.

Tatsächlich gibt es hier auch Parallelen zum offiziellen Fall und das sogar in einer noch größeren Dimension, denn Überlebende meldeten über ein Jahrzehnt hinweg Alcalas Straftaten. Doch die Behörden unternahmen nichts. Letztlich wurde er auf Grundlage der Morde an sieben Frauen und Mädchen verurteilt, aber einige Behörden schätzen die Dunkelziffer seiner Opfer sogar auf bis zu 130. Die Zeit von 1979 bis zu seinem Tod 2021 verbrachte Rodney Alcala hinter Gittern. Dabei wurde mehrfach der Versuch unternommen, ihn zum Tode zu verurteilen, was letztlich aber aufgrund von Verfahrensfehlern scheiterte.

Anna Kendrick hat damit jedenfalls einen Teil von Rodney Alcalas Geschichte mit vereinzelten dramaturgischen Freiheiten verfilmt. Bereits 2017 stand das Drehbuch von Ian MacAllister McDonald auf der Blacklist der besten unverfilmten Ideen Hollywoods.

Fazit: Mit The Dating Game Killer ist Anna Kendrick somit ein überraschend atmosphärisches und fesselndes Regiedebüt gelungen, dass mit schauspielerischen Glanzleistungen aufwarten kann. Bei einem solchen Einstand ist man jedenfalls gespannt, was Anna Kendrick womöglich noch so unter ihrer Regie aus dem Ärmel zaubert!

Ich vergebe dafür gerne 90 von 100 Flirtversuche!

Diese Kritik wurde ursprünglich am 14. März 2025 für Filmtoast produziert. Mein Dank geht deshalb an Pascal Wichmann fürs Einsprechen meines Textes sowie an Benjamin Bartsch für den Videoschnitt:

Hinweis: Den Film könnt ihr euch derzeit auf Blu-ray und DVD oder VOD-Plattformen wie Netflix oder mittlerweile kostenpflichtig bei Prime Video streamen!

Am 15. Januar 2026 lief der Mysterythriller The Housemaid – Wenn sie wüsste in den deutschen Kinos an. Ab Mai 2026 wird er voraussichtlich in der Schweiz und in Deutschland als Video-on-Demand kostenpflichtig abrufbar sein. Gleichzeitig wird eine Auswertung als 4K-UHD, Blu-ray und DVD erfolgen. Unter der Regie von Paul Feig (Nur ein kleiner Gefallen, Last Christmas) ist der Film mit Sydney Sweeney, Amanda Seyfried und Brandon Sklenar in den Hauptrollen besetzt worden. Daneben sind auch Michele Morrone, Elizabeth Perkins und Mark Grossman zu sehen. Doch schafft es The Housemaid, eine spannungsgeladene Geschichte zu erzählen oder liefert uns Paul Feig mit seinem neuesten Film keinen Gefallen?

Es ist nicht alles Gold was glänzt…

Im Psychothriller The Housemaid, erhält die junge Millie Calloway nach ihrer Entlassung aus dem Gefängnis die Chance auf einen Neuanfang: Sie tritt eine Stelle als Hausmädchen bei dem wohlhabenden Ehepaar Nina und Andrew Winchester auf Long Island an. In der luxuriösen Villa soll sie sich um den Haushalt kümmern und auf die Tochter Cece aufpassen.

Doch schon bald zeigt sich, dass hinter der eleganten Fassade der Familie etwas nicht stimmt. Nina verhält sich zunehmend unberechenbar und macht Millie das Leben schwer, während Andrew ihr gegenüber freundlich und verständnisvoll auftritt. Gleichzeitig stößt Millie immer wieder auf Hinweise aus Ninas Vergangenheit und merkt, dass in diesem Haus zahlreiche Geheimnisse verborgen liegen.

Je länger Millie in der Villa lebt, desto stärker gerät sie in ein undurchsichtiges Geflecht aus Misstrauen, Manipulation und verborgenen Wahrheiten. Was zunächst wie ein einfacher Job wirkt, entwickelt sich zunehmend zu einem gefährlichen Spiel, in dem nicht nur Millies eigene Vergangenheit eine Rolle spielt, sondern auch die dunklen Geheimnisse der Familie Winchester.

The Housemaid ist rasant und wendungsreich

The Housemaid bietet unberechenbar-fesselnde Unterhaltung. Dabei profitiert der Psychothriller von seiner wendungsreichen Inszenierung, die trotz ihrer Laufzeit von knapp über 130 Minuten zu keinem Zeitpunkt an Dynamik verliert. Hierbei findet der Film eine stimmungsvolle Mischung aus atmosphärisch aufbauenden Spannungsmomenten und rasanteren Szenen. Die Zuspitzung im emotionalen Wechselspiel der Figuren ist dabei eine der besonderen Stärken in gewissen Schlüsselszenen und Kammerspielmomenten.

Trotz der überwiegend ernsthaften Inszenierung wird The Housemaid auch immer wieder von einer schwarzhumorigen Facette begleitet, die das Geschehen mit einer Lässigkeit unterwandert und den Zuschauer kurz durchatmen lässt. Ebenso sind Elemente einer sinnlichen Romanze zu finden, deren vermeintliche Vorhersehbarkeit letztlich eine funktionale Brücke zum weiteren, kompromisslosen Verlauf bildet. Es ist die überzeugende Lüge, die der Film hinter seinen verschlossenen Türen erst langsam aufschlägt und anschließend nicht in Versuchung gerät, den gelüfteten Twist unnötig auszuschlachten. Zwar bedient sich The Housemaid dann auch einer brutaleren Bildsprache, doch bleibt diese ein wirkungsvoller Funktionsträger seiner eindringlich inszenierten Geschichte, die auf dem Fundament einer überaus stimmigen Dramaturgie fußt.

Sweeney und Seyfried liefern facettenreich ab

Schauspielerisch liefern alle drei Hauptdarsteller großartige Leistungen ab, jeder mit erinnerungswürdigen Momenten, die das Zusammenspiel bereichern – besonders Sydney Sweeney und Amanda Seyfried zeigen dabei verschiedenste Facetten ihres Spiels. Dies untermauert den starken Plot dramatisch und stabilisiert den doppelten Boden zusätzlich. Im anfänglich-unscheinbar-sympathischen Schatten überzeugt aber auch Brandon Sklenar mit überraschenden Kontrasten seiner Figur.

Musikalisch brilliert der mystisch-dramatische Soundtrack von Theodore Shapiro. Klänge, die auch dank poppiger Tracks von Taylor Swift oder Kelly Clarkson mit ironischer Raffinesse durchbrochen werden und den Puls des heutigen Zeitgeists spürbar machen.

Mein Fazit zu The Housemaid

The Housemaid, ist ein Psychothriller, der seine Spannung raffiniert und mit undurchschaubarer Atmosphäre auf dem Fundament eines doppelten Bodens auflaufen lässt. Den grandiosen Schauspielern fehlt es dabei keineswegs an Glaubwürdigkeit, und die stolze Laufzeit von über 130 Minuten wird letztlich ereignisreich befüllt.

Zur Konsequenz gibt es von mir deshalb die Höchststrafe mit: 100 von 100 auszureißenden Haaren!

Diese Kritik ist am 10. März 2026 zuerst bei Whatthefilm erschienen!

https://whatthefilm.ch/the-housemaid-die-grausame-luege-hinter-verschlossenen-tueren-kritik-review/